Lernen Sie die Künstler der Desenio Art Awards kennen

Julia Humbla – Painter of the Year 2026

Julias Werk wurde aufgrund ihrer raffinierten und emotional berührenden figurativen Malweise ausgewählt. Mit einer zurückhaltenden Farbpalette und einem feinfühligen visuellen Rhythmus fängt sie Momente menschlicher Nähe mit bemerkenswerter Sensibilität und Klarheit ein. Julia lebt in Stockholm und verbringt jeden Sommer mehrere Wochen im umliegenden Archipel. „In der Natur finde ich den größten Teil meiner Inspiration – in den wechselnden Jahreszeiten, den stillen Landschaften und den alltäglichen Momenten mit meinen Kindern.“

Sie nimmt diese Ideen mit nach Hause, wo sie in Gemälde mit einer ganz besonderen Ausstrahlung von Ruhe verwandelt werden. „Ich hoffe, dass meine Arbeiten in einer schnelllebigen Welt ein Gefühl der Ruhe vermitteln. Wenn jemand für einen Moment innehält, etwas Vertrautes spürt oder an eine Erinnerung erinnert wird, die er schon vergessen geglaubt zu haben, dann habe ich das Gefühl, dass mir das gelungen ist.“ 

Julia stammt aus einer kreativen Familie, daher wurde ihre Berufswahl stets respektiert. „Das Malen hat sich für mich schon immer wie ein Teil meiner Identität angefühlt“, sagt sie, „Oft lasse ich Teile meiner Bilder offen, damit der Betrachter die Geschichte mit seinen eigenen Erinnerungen und Gefühlen vervollständigen kann.“  Und wie entsteht die Idee für ein Bild? „Es kann die Bewegung eines schönen Kleides sein, die Textur eines Stoffes oder ein flüchtiger Moment mit meinen Töchtern. Wann immer mich etwas berührt, versuche ich, das Gefühl einzufangen, das es in mir ausgelöst hat.“

Die vier Gewinnerwerke sind durch Themen wie Beziehungen, Sehnsucht, Träume und Zugehörigkeitsgefühl miteinander verbunden. Julia sagt: „Die Frau, die den Schwan hält, steht für mich für das Gefühl, etwas zu vermissen. Das kann eine Person sein, ein Moment oder einfach ein Gefühl, das einmal existierte, aber jetzt nur noch als schöne Erinnerung besteht.“ War sie überrascht, als sie erfuhr, dass sie gewonnen hatte? „Ja, total. Ich war mit meinen Kindern in unserem Sommerhaus, als mein Handy mit einer unbekannten Nummer klingelte. Es war Desenio.

Sie sagte, fast leise: ‚Du darfst es noch niemandem erzählen, aber du hast gewonnen.‘ Ich brach sofort in Tränen aus. Ich glaube, ich habe einfach immer wieder gesagt: ‚Was? Nein, meinst du das ernst? Ich verstehe das nicht.‘“

Joel Mellström – Graphic Artist of the Year 2026

Die Jury war beeindruckt von Joels surrealen Kompositionen, die kontemplative Räume eröffnen, in denen das Vertraute poetisch, vieldeutig und auf subtile Weise beunruhigend wird. Joel ist in seinem Hauptberuf in Stockholm kreativ tätig, widmet sich aber in seiner Freizeit seiner eigenen Kunst. Stark vom Film beeinflusst, schafft er traumähnliche Szenen, die das Surreale mit dem Fantastischen verschmelzen lassen.

Joel war schon immer kreativ, doch erst mit Ende zwanzig fand er seinen Weg zur Erstellung digitaler Collagen. „Ich liebe es, Landschaften mit kräftigen Farben zu gestalten, die ein wenig wie eine Momentaufnahme aus einem Traum wirken. Mich interessiert besonders der Raum zwischen dem Realen und dem Imaginären, in dem sich vertraute Elemente in etwas Unerwartetes verwandeln.“ Wie sieht also der kreative Prozess bei der Erstellung digitaler Collagen aus? „Im Grunde blättere ich einfach durch eine Menge Bilder, um zu sehen, ob etwas eine Idee auslöst.

Wenn ich das perfekte erste Element finde, entsteht die Vision für das gesamte Kunstwerk fast augenblicklich.“ Als bekennender Filmfan lässt sich Joel stark von verschiedenen Regisseuren inspirieren. Sein absoluter Favorit ist Wes Anderson. „Er ist so ziemlich der Grund dafür, dass ich meine kreative Stimme gefunden habe. Ich verdanke ihm sehr viel.“

Und was ist mit den Kunstwerken, die ihm geholfen haben, diesen Preis zu gewinnen? „Ich wollte einige meiner Lieblingswerke präsentieren und zeigen, wie sich meine Kreativität im Laufe der Jahre entwickelt hat. Jedes einzelne Werk dieser Auswahl strahlt jene traumhafte und doch vertraute Atmosphäre aus, die ich mit meiner Kunst anstrebe.“ Aber wie hat es sich angefühlt, den Preis zu gewinnen? „Als ich einige Monate später erfuhr, dass ich in meiner Kategorie gewonnen hatte, war das ein absolut unglaubliches Gefühl.

Als jemand, der trotz seiner hauptberuflich kreativen Tätigkeit immer wieder mit dem Impostor-Syndrom zu kämpfen hat, war der Gewinn für mich eine besonders bestärkende und zugleich schmeichelhafte Erfahrung.

Hanna Göransson – Photographer of the Year 2026

Die Jury war von Hannas künstlerischem Gespür für Klarheit, Witz und starker visueller Ausdruckskraft beeindruckt. Ihre Arbeiten verwandeln vertraute Gegenstände und Gesten in Kompositionen, die zugleich verspielt und fesselnd sind. Hannas Interesse an der Fotografie begann bereits in ihrer Jugend. Sie stammt aus Hälsingland, einer eher ländlichen Region Schwedens, und war schon immer von handwerklichem Schaffen umgeben: „Das war einfach etwas, was meine Schwestern und ich gemacht haben“, sagt sie.

Heute hat sie einen Schwerpunkt: „Ich liebe die Kunst der Fotografie, weil sie so vielseitig und kreativ ist und einen an so viele Orte entführen kann.“ Wie sieht also ihr kreativer Prozess aus? „Manchmal ist alles bis ins kleinste Detail geplant, aber meistens ist mein Vorgehen praxisorientiert und experimentell.“ Sie lässt sich gerne treiben und folgt ihrer Intuition. „Ich mag es, gewöhnliche Dinge in unerwartete Kompositionen zu bringen oder einfach alltägliche Dinge hervorzuheben, an denen wir normalerweise vorbeigehen.“

Sie fühlt sich zu farbenfrohen Kontrasten hingezogen und strebt stets danach, dass ihre Motive voller Leben sind. „Ich schaffe gerne ein Gleichgewicht zwischen dem Perfekten und dem Unvollkommenen.“ Inspiration findet sie an vielen Orten. „Mich inspirieren alltägliche Lichtreflexe, Farben an Häusern, Grafikdesign, Freunde und Familie, die Natur und Menschen auf der Straße.“ Und was die Arbeit betrifft, die der Jury ins Auge fiel: Es handelte sich um ein Abschlussprojekt während ihres Studiums in Stockholm. „Die Idee war, Kontraste durch digitale Fotografie zu erforschen, insbesondere jenen Moment, in dem das Perfekte auf das Unvollkommene trifft und unerwartete Details einen dazu zwingen, genauer hinzuschauen.

Ich habe alltägliche Materialien wie Zigarettenpackungen, Pommes, Nudeln, Ketchup, Spiegeleier und Softeis verwendet. Mein Ziel war es, Reibung zu erzeugen.“ War sie überrascht, als sie den Anruf erhielt, in dem ihr mitgeteilt wurde, dass sie den „Photographer of the Year Award“ gewonnen hatte? „Ja, total! Ich weiß, wie viele großartige Künstler sich beworben haben, daher war es eine unglaubliche, fast surreale Überraschung zu hören, dass meine Arbeit der Jury besonders aufgefallen ist. Dass dieses Projekt auf so große Weise gewürdigt wurde, gibt mir einen richtigen Selbstvertrauensschub.“

Joeyline Tannous – Illustrator of the Year 2026

Joeylines farbenfrohe Arbeiten fielen der Jury durch ihre intimen und charaktervollen Darstellungen des Alltags ins Auge. Mit ausdrucksstarken Farben, vertrauten Motiven und einem sicheren Gespür für Komposition verwandelt sie gewöhnliche Szenen in Werke, die persönlich, lebendig und fesselnd wirken.

Als wir sie fragten, war sich Joeyline nicht ganz sicher, seit wann sie sich selbst als Künstlerin betrachtet. Ihre Wurzeln im Libanon könnten damit zu tun haben. „Ich komme aus einer Kultur, in der den Menschen Ästhetik wichtig ist, Kunst jedoch als Zeitvertreib, als Hobby und nicht als ernstzunehmende Karriere angesehen wird. Die Architektur wurde für mich zur Brücke, über die ich eine ernsthafte Karriere aufbaute und gleichzeitig die Freude an Kreativität und Kunst ausleben konnte.“ Sie beschreibt ihre Werke als unvollkommen, verspielt und farbenfroh. „Ich möchte mich nicht auf einen bestimmten Stil festlegen, da ich gerne viel experimentiere.

Es ist eine Art Neuinterpretation oder Verschmelzung klassischer Stillleben mit modernen Instagram-Food-Posts, die gerade genug Perspektive nutzt, um Sinn zu ergeben, aber nicht genug Tiefe, um sich selbst ernst zu nehmen. Das ist Kunst, die ich mir gerne in meiner eigenen Wohnung aufhängen würde.“ Sie verbringt zwar manchmal etwas Zeit mit der Planung ihrer Arbeiten, doch sobald sie anfängt, wird diese oft über den Haufen geworfen. „Wenn ich anfange, Farben zu mischen, ignoriere ich letztendlich den Großteil der Planung völlig und habe einfach nur Spaß.

Es geht um Versuch und Irrtum und darum, dem Prozess zu vertrauen, auch wenn es unordentlich oder chaotisch aussieht, denn manchmal machen spontane Ideen die Sache viel unterhaltsamer.“ Die Arbeit, die sie für den Preis eingereicht hat, zeigt eine Reihe von Momenten rund ums Essen und Trinken. „Essen bringt Menschen zusammen. Das Ziel war es nicht, eine hyperrealistische Darstellung zu schaffen, sondern eher etwas Karikaturhaftes mit klar definierten Konturen, was mir in der Praxis mehr Freiheit gab, mit Farbblöcken zu experimentieren und die Unvollkommenheiten bewusst hervorzuheben.“

Wie hat es sich angefühlt, die Nachricht zu erhalten, dass sie zur Illustratorin des Jahres gekürt wurde? „Es gab mir die Bestätigung, die ich brauchte: Ja, ich bin eine Künstlerin, und ich kann meine Kunst teilen. Es hat mir gezeigt, dass der Mut, mich zu zeigen und es zu versuchen, zu unglaublichen Ergebnissen führen kann. Ich brauchte ein Zeichen, um mir selbst zu beweisen, dass ich das kann, dass ich es ernst nehmen kann – und das Universum hat mir das Zehnfache zurückgegeben.“

Marine Aimée – Emerging Talent of the Year 2026

Marines Kunst fiel der Jury durch ein zutiefst introspektives und emotional ausdrucksstarkes Gesamtwerk ins Auge. Ihre Gemälde setzen sich mit Themen wie Trauer, Heilung und der Komplexität des Menschen auseinander – und zwar sowohl einfühlsam als auch kraftvoll. Marine lebt in Calgary, Kanada, und arbeitet in ihrem Heimstudio. Sie schätzt es sehr, einen ruhigen Ort zum Schaffen zu haben, da ein Großteil ihrer Arbeit auf Reflexion basiert. „Die Landschaft hier strahlt eine gewisse Weite aus, die meiner Meinung nach den Raum widerspiegelt, den ich durch meine Arbeit zu schaffen versuche.

Einen Ort, an dem Menschen einfach nur fühlen können.“ Marine war schon immer kreativ, doch ihr Weg zur Kunst verlief nicht geradlinig. „Zu verschiedenen Zeiten wollte ich Schriftstellerin, Professorin oder sogar Archäologin werden. Rückblickend glaube ich nicht, dass diese Jahre verschwendet waren. Sie haben mir viel über mich selbst beigebracht und mir geholfen zu verstehen, was mich wirklich erfüllt.“

Als Marine in ihren Zwanzigern eine schwierige Trennung durchlebte, griff sie schließlich zum Pinsel und begann, Kunst zu schaffen, um ihre Gefühle zu verarbeiten. „Was als Bewältigungsstrategie begann, wurde langsam zu etwas viel Tieferem.“ Wie würde sie ihre Arbeit beschreiben? „Ein Großteil meiner Arbeit bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Verletzlichkeit und Stärke. Mich interessieren die Gefühle, für die wir nicht immer Worte finden, die stillen Momente der Selbstfindung, die Spannung des Werdens und die Geschichten, die wir unter der Oberfläche mit uns tragen.“

Wenn sie tatsächlich malt, ist es ein sorgfältiges Gleichgewicht zwischen Absicht und Intuition. Auch wenn sie mit einer groben Idee im Kopf beginnt, sind es oft die unerwarteten Momente, die das Bild besonders machen. Sie gibt dem Prozess die Freiheit, sich auf natürliche Weise zu entfalten, und lässt das Bild dorthin gehen, wo es von selbst hinmöchte.

Und was bedeutet der Gewinn dieser Auszeichnung für sie? „Ich glaube, dieser Preis steht für mehr als nur künstlerische Leistung. Er würdigt Künstler, die zu einer kreativen Kultur beitragen, die auf Verbundenheit, Großzügigkeit und Wachstum basiert. Schon die Nominierung war eine Ehre, und Teil dieser Gemeinschaft zu werden, ist eine Chance, die ich weit über den Preis selbst hinaus schätze.“

Ihre preisgekrönten Kunstwerke verbinden Erzählkunst mit emotionaler Verletzlichkeit. „Diese Werke wurden stark von meinen eigenen Erfahrungen mit der Selbstfindung beeinflusst und davon, zu lernen, mich mit den Teilen meiner selbst auseinanderzusetzen, die durch vergangene Erlebnisse geprägt wurden. Mein Interesse galt jenen Momenten, in denen wir beginnen, uns selbst offener wahrzunehmen, die Geschichten und Überzeugungen hinterfragen, die wir mit uns tragen, und Raum für Veränderung schaffen.“

Samuel Centrella – Mixed Media & Urban Artist of the Year 2026

Samuels Werk wurde von der Jury aufgrund seiner kraftvollen und kompromisslosen künstlerischen Ausdruckskraft ausgewählt. Seine ausdrucksstarken Arbeiten entfalten sich durch Gesten, Schichtung und Materialexperimente und ergeben Kompositionen, die unmittelbar und emotional aufgeladen wirken.

Welchen Weg hat er eingeschlagen, um Künstler zu werden? „Als Kind schenkte mir meine Großmutter Kohle und Skizzenpapier. Zeichnen wurde mein Leben. Ich führte Notizbücher, die ich niemandem zeigte, denn es ging mir nicht um eine Präsentation. Es fiel mir so leicht, dass ich nie realisierte, dass ich es beruflich ausüben könnte.“ Er verfolgte verschiedene andere Wege, bevor er erkannte, dass seine wahre Berufung die Malerei war: Tanz, Musicaldarsteller, Schauspieler, Theaterautor und Filmschaffender.

Der in New York lebende Maler sieht die Malerei als Dialog zwischen Betrachter und Künstler. „Die besten Maler sagen mir innerhalb der ersten zwei Sekunden, wie sie sich fühlen, wenn ich ihr Werk betrachte.“ Sein kreativer Prozess folgt einem bestimmten Muster. Er beginnt mit Meditation, um die richtige Stimmung zu erzeugen.

„Wenn ich meinen Geist beruhige, übernimmt meine Intuition die Führung und ich kann einfach malen.“ „Ich denke nicht nach, ich plane nicht, ich lasse mich einfach darauf ein.“ Sobald er anfängt, greift er auf seine Erfahrungen als Tänzer zurück und lässt sich vom Jazz leiten. „Es geht darum, den Kopf frei zu bekommen.“ Abstraktion ist ihm enorm wichtig. „Durch Abstraktion kann ich erforschen, was es bedeutet und wie es sich anfühlt, ein Mensch zu sein.“

Und wie fühlte es sich an, von der Jury des Desenio Art Award ausgezeichnet zu werden? „Ich war total überrascht! Es war einfach großartig, unter den so talentierten Künstlern meiner Kategorie als Finalist ausgewählt zu werden. Was für eine Ehre, als erster Gewinner des Preises „Mixed Media and Urban Artist of the Year“ ausgezeichnet zu werden!“ Samuels preisgekrönte Kunstwerke bestehen aus vier großen abstrakten Gemälden. „Ich habe mit einer leeren Hartfaserplatte begonnen und Gouache- und Acrylfarben aufgetragen.

Diese Schicht habe ich nass in nass gemischt, was der getrockneten Farbe ein Gefühl von Bewegung und Freiheit verleiht. Während die erste Schicht trocknete, entstand eine rhythmische Landschaft, auf die ich weitere Schichten auftragen konnte. Je mehr ich mit der Hartfaserplatte spiele und sie gestalte, desto stimmiger wird das Werk.“ Irgendwann mitten im Malprozess verspüre ich ein überwältigendes Gefühl der Vollendung.“ Entdecken Sie die prämierten Kunstwerke jedes Künstlers auf dessen Seite „Ausgewählter Künstler“ – vielleicht finden Sie dort einen neuen Favoriten.